GALERIE ART PREMIER AFRICAIN GALERIE ART PRIMITIF AFRICAIN AFRICAN ART GALLERY

Art Tribal

Fri, 09 Oct 2026 08:56:18 GMT

Galerie L'Oeil et la Main · Paris 7e · Rive Gauche

Galerie d'art tribal à Paris

Statues africaines, masques anciens et objets d'art tribal sélectionnés pour leur qualité. Vente et expertise d'art africain au 41 rue de Verneuil, près de Saint-Germain-des-Prés.

Contacter la galerie

Fernanda Morotti, directrice de la galerie depuis 2020, vous accueille et vous conseille pour l'achat d'une statue africaine ou d'un masque, ainsi que pour toute demande d'expertise en art tribal.

Statues africaines

Statues d'ancêtres et figures de protection de l'art africain ancien présentés dans notre galerie d'art.

Masques africains

Masques de cérémonie et de danse, choisis pour leur forme, leur patine et leur histoire.

Expertise d'art tribal

Une première expertise de votre statue ou de votre masque à partir de photos : envoyez-les-nous.

Galerie L'Oeil et la Main – Galerie d'arts premiers · 41 rue de Verneuil, 75007 Paris
Du lundi au vendredi, 11h00–18h30
Samedi sur rendez-vous contact@agalom.com +33 6 61 12 97 26

African art gallery in Paris, directed by Fernanda Morotti: African art, tribal art, African statues and African masks. Purchase, sale and expert appraisal of African art.

The gallery

Sun, 27 Aug 2006 20:04:06 GMT

The art gallery L'Oeil et la Main, located in Paris, is essentially devoted to the primitive arts. To come at the gallery, an access map is available. If you wish to receive informations about the coming exhibitions, please leave us your email adress in the category subscription to the newsletter.

Opening hours of the gallery:

From Wednesday to Saturday

2pm - 7pm

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For any information about a work of art :
Tel. : +33 (0)1 42 61 54 10

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La BeautÃ© en Plus

Mon, 15 May 2023 14:37:40 GMT

La Beauté en Plus

lundi 7 septembre 2026

41 rue de Verneuil 75007 Paris

Retrouvez nous sur Instagram

Sat, 14 Mar 2026 12:48:43 GMT

Galerie dâArt Africain Ancien Ã Paris

Wed, 11 Mar 2026 13:12:54 GMT

La Galerie L’Œil et la Main, galerie d’art africain ancien à Paris, est spécialisée dans l’art tribal africain de qualité muséale. Située au cœur de Saint-Germain-des-Prés, elle présente une sélection exigeante de sculptures, masques et objets rituels d’Afrique subsaharienne.

Chaque œuvre d’art africain ancien est choisie pour sa force plastique, son ancienneté et sa cohérence stylistique.

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Spécialiste en Art Tribal Africain

Depuis plus de 30 ans, Armand Auxiètre et Fernanda Morotti sélectionnent des pièces d’art tribal africain selon des critères stricts : qualité de sculpture, patine ancienne, intégrité formelle et rareté.

L’art africain ancien présenté à la galerie s’adresse aux collectionneurs, amateurs éclairés et institutions recherchant des œuvres authentiques et puissantes.

Masques Songye, sculptures Hemba, figures Luba, masques Dan, œuvres Bamana : chaque pièce d’art tribal africain est étudiée avec attention et replacée dans son contexte culturel.

ActualitÃ©s

Tue, 15 Dec 2020 15:46:56 GMT

Galerie d'art tribal à Paris
Tribal Art Gallery in Paris

LUBA

Nous avons le plaisir de vous convier à l'exposition
Luba
9 septempre - 15 octobre 2022
vernissage le jeudi 8 septembre de 18h à 21h
________________________________________________
We're pleased to invite you to the exhibition
LUBA
September 9 - October 15 2022
Opening reception Thursday, September 8 from 6:00 PM to 9:00 PM

GALERIE L'OEIL ET LA MAIN
41 rue de Verneuil 75007 Paris
contact@agalom.com
+33 6 21 48 52 49

Lobi Eleki Lobi Ekoya
Entre passé et futur

La Galerie l'Oeil et la Main présente le jeune artiste contemporain congolais Romario Rolook Lukau pour sa première exposition à Paris.

Vernissage le jeudi 16 juin de 18h à 22h
Exposition jusqu'au 16 juillet

41 rue de Verneuil 75007 Paris

contact@agalom.com
+33 6 21 48 52 49

Exposition Baoulé

du 1 mars au 2 avril 2022
Ouvert du mardi au samedi de 14h à 19h

41 rue de Verneuil 75007 Paris

Exposition Luba art tribal 2022

Sat, 20 Aug 2022 13:57:03 GMT

Galerie d'art tribal à Paris
Tribal Art Gallery in Paris

LUBA

Nous avons le plaisir de vous convier à l'exposition
Luba
9 septempre - 15 octobre 2022
vernissage le jeudi 8 septembre de 18h à 21h
________________________________________________
We're pleased to invite you to the exhibition
LUBA
September 9 - October 15 2022
Opening reception Thursday, September 8 from 6:00 PM to 9:00 PM

GALERIE L'OEIL ET LA MAIN
41 rue de Verneuil 75007 Paris
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The gallery

Fri, 20 Feb 2009 15:24:21 GMT

Métro: line 12 (Rue du Bac ou Solférino station), line 1 (Palais Royal musée du Louvre station)

Public parking:

Orsay museum, 8 quai Anatole France 75007

Bac-Montalembert, 9 rue de Montalembert 75007

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EXPOSITION ART PREMIER AFRICAN SILENCES

Fri, 15 Jul 2011 15:02:17 GMT

" AFRICAN SILENCES "

21 JANVIER AU 11 MAI 2021

Informations

Mon, 28 Aug 2006 03:05:36 GMT

Art Gallery L'oeil et la Main
41, rue de Verneuil
75007 Paris

Tél.: +33 (0)6 61 12 97 26

contact@agalom.com

african art / art africain / primitive art / art primitif / arts premiers / art gallery / art tribal / tribal art / Afrique / Africa / l'oeil et la main / galerie d'art premier / achat / vente / expertise / expert / exposition / exhibition / collection / collectionneur / Paris / oeuvre / Verneuil / antiquités / antiquaire / musée / museum / masque / mask / statue / sculpture / Agalom / Armand Auxiètre / www.african-paris.com / www.agalom.com

Les Statues meurent aussi English Subtitles

Mon, 27 Dec 2010 12:10:09 GMT

Les Statues meurent aussi

Les Statues meurent aussi est un documentaire-court métrage français réalisé par Chris Marker, Alain Resnais et Ghislain Cloquet sorti en 1953. Conseiller artistique : Charles Ratton.

Il fut commandité par la revue panafricaine Présence africaine. Partant de la question « Pourquoi l’art nègre se trouve-t-il au musée de l’Homme alors que l’art grec ou égyptien se trouve au Louvre ? », les deux réalisateurs dénoncent le manque de considération pour l'art africain dans un contexte de colonisation. Le film est censuré en France pendant huit ans en raison de son point de vue anti-colonialiste.

« Quand les hommes sont morts, ils entrent dans l'histoire. Quand les statues sont mortes, elles entrent dans l'art. Cette botanique de la mort, c'est ce que nous appelons la culture.

C’est que le peuple des statues est mortel. Un jour, nos visages de pierre se décomposent à leur tour. Une civilisation laisse derrière elle ces traces mutilées comme les cailloux du Petit Poucet, mais l’histoire a tout mangé. Un objet est mort quand le regard vivant qui se posait sur lui a disparu, et quand nous aurons disparu nos objets iront là où nous envoyons ceux des Nègres : au musée.

L’art nègre. Nous le regardons comme s’il trouvait sa raison d’être dans le plaisir qu’il nous donne. Les intentions du nègre qui le créé, les émotions du nègre qui le regarde, cela nous échappe. Parce qu’elles sont écrites dans le bois, nous prenons leurs pensées pour des statues, et nous trouvons du pittoresque là où un membre de la communauté noire voit le visage d’une culture.

C’est son sourire de Reims qu’elle regarde, c’est le signe d’une unité perdue où l’art était le garant d’un accord entre l’homme et le monde. C’est le signe de cette gravité que lui lègue, au-delà des métissages et des bateaux d’esclaves, cette vieille terre des ancêtres : l’Afrique.

Voici le premier partage de la Terre. Voici le fœtus du monde. Voici l’Afrique du XIe siècle. Du XIIe. Du XVe. Du XVIIe. D’âge en âge, tandis que sa forme se dégageait lentement, l’Afrique était déjà la terre des énigmes. Le noir était déjà la couleur du péché. Les récits des voyageurs parlaient de monstres, de flammes, d’apparitions diaboliques. Déjà le Blanc projetait sur le Noir ses propres démons pour se purifier. Et pourtant, lorsqu’ au-delà des déserts et des forêts, il croyait aborder au royaume de Satan, le voyageur découvrait des nations, des palais.

Quelle musique berçait cette petite princesse, cette petite orange mûrie dans les caves du Bénin ? Quel culte présidait cette petite république de la nuit ? Nous n’en savons rien. Ces grands empires sont les royaumes les plus morts de l’Histoire. Contemporains de Saint Louis, de Jeanne d’Arc, ils nous sont plus inconnus que Sumer et Babylone. Au siècle dernier, les flammes des conquérants ont fait de tout ce passé une énigme absolue. Noir sur noir, combat de nègres dans la nuit des temps, le naufrage nous a laissé seulement ces belles épaves striées que nous interrogeons.

Mais si leur histoire est une énigme, leurs formes ne nous sont pas étrangères. Après les frises, les monstres, les Atrides casqués du Bénin, tous les vêtements de la Grèce sur un peuple d’insectes, voici ces Apollons d’Ifé qui nous tiennent eux aussi un langage familier. Et c’est à juste titre que le Noir y puise l’orgueil d’une civilisation aussi vieille que la notre. Nos ancêtres se regardaient en face, sans baisser leurs yeux vides. Mais cette fraternité dans la mort ne nous suffit pas, c’est beaucoup plus près de nous que nous allons trouver le véritable art nègre, celui qui nous déconcerte.

L’énigme, elle commence maintenant, ici, avec cet art pauvre, cet art du bois dur, avec ce plat à divination par exemple. Il ne nous sert pas à grand-chose de l’appeler objet religieux dans un monde où tout est religion, ni objet d’art dans un monde où tout est art. L’art, ici, commence à la cuillère et finit à la statue. Et c’est le même art. Nous connaissons un art où l’ornement d’un objet utile, comme l’appuie-tête, et la beauté inutile de la statue, appartiennent à deux ordres différents. Ici, cette différence tombe quand nous regardons de près. Un calice n’est pas un objet d’art, c’est un objet de culte. Cette coupe de bois est un calice. Tout ici est culte du monde.

Quand il fait reposer le siège sur des pieds d’homme, le Noir crée une nature à son image. Dès lors, tout objet est sacré, parce que toute création est sacrée. Elle rappelle la création du monde et la continue. L’activité la plus humble concours à l’ensemble d’un monde où tout est bien, où l’homme affirme son règne sur les choses, en leur imprimant sa marque et quelques fois son visage. Formes animales, comme sur cette bobine de tissage, formes végétales, comme sur ces boîtes à fard, toute la création défile sous les doigts de l’artiste noir. Dieu lui a montré le chemin, il imite Dieu et c’est ainsi qu’à son tour il invente l’Homme.

Gardiens de tombeaux, sentinelles des morts, chiens de garde de l’invisible, ces statues d’ancêtres ne forment qu’un cimetière. Nous mettons de biens sur nos morts pour les empêcher de sortir. Le Nègre les conserve près de lui pour les honorer et profiter de leur puissance, dans un panier rempli de leurs ossements. C’est des morts que procèdent toute sagesse et toute sécurité. Ils sont les racines du vivant. Et leur visage éternel prend parfois forme de racine.

Ces racines fleurissent. La beauté involontaire des animaux et des plantes éclairent un visage de jeune fille, et nous pouvons bien prendre sa lumière pour un sourire, où même son huile pour une larme, et nous émouvoir, à condition de bien savoir que ces images nous ignorent, qu’elles sont d’un autre monde, que nous n’avons rien à faire dans ces conciliabules d’ancêtres qui ne sont pas les nôtres. Nous voulons y voir de la souffrance, de la sérénité, de l’humour, quand nous n’en savons rien. Colonisateurs du monde, nous voulons que tout nous parle, les bêtes, les morts, les statues, et ces statues-là sont muettes. Elles ont des bouches et ne parlent pas, elles sont des yeux et ne nous voient pas. Et ce ne sont pas des idoles, plutôt des jouets, des jouets sérieux, mais qui ne valent que par ce qu’ils représentent. Il y a entre moins d’idolâtrie de dans nos statues de saints, personne n’adore ces poupées sévères. La statue nègre n’est pas le dieu, elle est la prière. Prière pour la maternité, pour la fécondité des femmes, pour la beauté des enfants, elle peut être couverte d’ornements qui ont la valeur des enluminures, elle peut être aussi frustre, comme cette boule de terre qui protège la moisson, ou encore lier la terre à la mort, par la forme et par la matière.

Ce monde est celui de la rigueur, chaque chose y a sa place. Ces têtes n’ont pas à être effrayantes, elles ont à être justes, mais regardez bien leurs cicatrices, ce champ magnétique où viennent se prendre toutes les formes du ciel et de la terre. L’objet n’en a pas besoin pour exister et servir, ce débordement de création, qui dépose ses signes comme des coquillages sur la paroi lisse de la statue, c’est un débordement d’imagination, c’est la liberté : roue du soleil, nœud de la fleur, courbe de l’eau, fourche des arbres s’y déploient l’un après l’autre, des techniques se mélangent, le bois imite subtilement le tissu, le tissu prend ses motifs à la terre, on s’aperçoit que cette création n’a pas de limites, que tout communique , et que de ces planètes à ces atomes, ce monde de la rigueur referme à son tour le monde de la beauté.

Un dieu a fait ces gestes, le dieu qui a tissé cette chair lui a enseigné à son tour à tisser la toile, et son geste à chaque seconde renvoie au tissage du monde, et le monde est la toile des dieux où ils ont pris l’Homme. Essayez de distinguer ici ce qui est la terre et ce qui est la toile, ce qui est la peau noire et ce qui est la terre vue d’avion, ce qui est l’écorce de l’arbre et celle de la statue. Ici l’Homme n’est jamais séparé du monde, la même force y nourri toutes les fibres, ces fibres parmi lesquelles le premier homme sacrilège, en soulevant les jupes de la terre, découvrit la mort.

Masques de bêtes, masques d’hommes, masques participant de l’un et de l’autre, masques-maisons, masques-visages, Pierrot des fleuves, Arlequin de la forêt, ces masques luttent contre la mort. Ils dévoilent ce qu’elle veut cacher. Car la familiarité des morts mène à apprivoiser la mort, à la gouverner par le moyen des envoûtements, à la transmettre, à la charmer par la magie des coquillages. Et le sorcier capture dans on miroir les images de ce pays de la mort, où l’on va en perdant la mémoire. Mais, victorieuse du corps, la mort ne peut rien contre la force vitale éparse en chaque être et qui compose son double. Pendant la vie, ce double prend parfois la forme de l’ombre, ou du reflet dans l’eau et plus d’un homme s’est noyé pour avoir été tiré par là. Mais la mort n’est pas seulement quelque chose qu’on subit c’est aussi quelque chose qu’on donne.

Voici la mort d’un animal. Où est passée la force qui habitait cette main ? Elle est libre maintenant, elle rôde, elle va tourmenter les vivants jusqu’à ce qu’on la recueille dans son ancienne apparence. C’est à elle que s’adresse le sang du sacrifice et c’est elle que l’on fixe dans ces métamorphoses légendaires pour l’apaiser, jusqu’à en faire ces visages victorieux qui répare le tissu du monde.

Et puis ils meurent à leur tour. Classés, étiquetés, conservés dans la glace des vitrines et des collections, ils entrent dans l’histoire de l’art, paradis des formes, où s’établissent les plus mystérieuses parentés. Nous reconnaissons la Grèce dans une tête africaine vieille de 2000 ans. Le Japon dans un masque de l’Ogoué. Et encore l’Inde, des idoles sumériennes, le Christ roman, ou notre art moderne.

Mais en même temps qu’il gagne ses titres de gloire, l’art nègre devient une langue morte, et ce qui naît sur ses pas c’est le jargon de la décadence. A l’exigence religieuse succèdent les exigences commerciales, et puisque le Blanc est acheteur, puisque la demande excède l’offre puisqu’il faut aller vite, l’art nègre devient l’artisanat indigène. On fabrique par milliers ces répliques de plus en plus dégradées des belles figures inventées par la culture africaine. Ici l’outillage vulgarise, la technique appauvrit, au pays où toutes les formes signifiées, où la grâce d’une courbe était une déclaration d’amour au monde, s’acclimate un art de bazar. Ces bijoux en toc, que les explorateurs offraient aux sauvages pour les amadouer, voici que le nègre nous les rend. A la beauté particulière de l’art nègre se substitue une laideur générale. Un art où les objets deviennent des bibelots, un art cosmopolite, un art du vase à fleurs, du presse-papiers, et du porte-plume souvenir où l’on voit en transparence la tour de Babel. Un art du portrait aussi, incapable désormais d’exprimer l’essentiel, le sculpteur se rattrape sur la ressemblance, nous lui avons appris à ne pas sculpter plus loin que le bout de son nez. Mais ce que nous faisons disparaître de l’Afrique ne compte guère pour nous plus que ce que nous y faisons apparaître.

C’est que nous sommes les martiens de l’Afrique. Nous débarquons de notre planète avec nos façons de voir, avec notre magie blanche et avec nos machines. Nous guérissons le Noir de ses maladies c’est certain, il attrape les nôtres, c’est certain aussi. Qu’il perde ou qu’il gagne au change, son art en tout cas n’y survit pas. La magie destinée à le protéger lorsqu’il mourrait pour son compte est sans pouvoir lorsqu’il meurt pour le notre. Entre le paradis chrétien et l’immortalité laïque, le culte des ancêtres s’évapore. Le monument aux morts remplace la statue funéraire. Tout ceci dominé par le Blanc, qui voit les choses de sa hauteur et s’élève au dessus des contradictions de la réalité. De cette hauteur l’Afrique apparaît ordonnée, recouverte déjà de villages modèles, pleine de ces igloos de béton comme des globules blancs de la civilisation. De cette hauteur, l’Afrique est un merveilleux laboratoire où se pré-fabriquent patiemment le type du bon Nègre rêvé par le bon Blanc.

Alors tout cet appareil de protection qui donnait son sens et sa forme à l’art nègre se désagrège et disparaît. C’est le Blanc qui prétend assurer le rôle des ancêtres, la véritable statue de protection, d’exorcisme et de fécondité, désormais c’est sa silhouette. Tout se ligue contre l’art nègre. Prise dans une pince entre l’Islam ennemi des images, et la chrétienté brûleuse d’idoles, la culture africaine s’effondre. Pour la renouveler, l’Eglise tente un métissage : l’art négro-chrétien. Mais chacune des deux influences détruit l’autre. Et ce mariage manqué fait perdre au catholicisme en Afrique, sa luxuriance, son éclat, tout ce côté nègre justement, à quoi on le reconnaît en Europe.

Les pouvoirs temporels pratiquent la même austérité, tout ce qui était prétexte à œuvre d’art est remplacé, qu’il s’agisse de l’habillement, du geste symbolique, du gri-gri, ou des palabres. On dit « oui oui oui », quelque fois on dit « non ». Cela c’est l’artiste noir qui le dit. Alors une nouvelle forme d’art apparaît : l’art de combat. Art de transition pour une période de transition. Art du présent, entre une grandeur perdue et une autre à conquérir. Art du provisoire, dont l’ambition n’est pas de durer mais de témoigner. Ici le problème du sujet ne se pose pas.

Le sujet c’est cette terre naturellement ingrate, ce climat naturellement éprouvant et là dedans le travail, à une échelle démesurée, le rythme de l’usine affrontant celui de la nature, Ford chez Tarzan. Le sujet c’est cet homme noir mutilé de sa culture et sans contact avec la nôtre. Son travail n’a plus de prolongement spirituel ni social, il n’ouvre sur rien, il ne mène à rien, il a un salaire dérisoire. Dans ces pays du don et de l’échange, nous avons fait pénétrer l’argent. On achète son travail au Noir et on dégrade son travail, on achète son art et on dégrade son art, la danse religieuse devient un spectacle, on paie le nègre pour nous donner la comédie de sa joie et de sa ferveur. Et ainsi, à côté du nègre-esclave, apparaît une seconde figure : le nègre-guignol. Sa force nous sert, son adresse nous amuse, accessoirement elle nous sert aussi. Les nations dotées de traditions racistes trouvent tout naturel de confier à des hommes de couleur le soin de leur gloire olympique. Mais un Noir en mouvement, c’est encore de l’art nègre, et dans le sport, le Noir peut trouver, en attendant mieux, un bon terrain pour mystifier l’orgueil du Blanc.

Le Blanc ne comprend pas toujours la plaisanterie. Il lui arrive de crier « Pouce » quand les choses tournent mal. Qu’un boxeur nègre se permette de corriger un Blanc dans un pays marqué par le racisme hitlérien, on lui démontre à coups d’insultes, de menaces et de projectiles qu’il ferait mieux de rester à sa place. Quand ce n’est plus pour jouer, quand le Noir par exemple se mêle aux luttes du travail, c’est à coups de fusil et de matraque que s’opère la démonstration. Ce climat de brimades et de menaces conduit l’artiste nègre à une nouvelle métamorphose, et sur le ring ou dans son orchestre, son rôle consiste à rendre les coups que reçoit son frère dans la rue.

Nous voici loin des apparences de l’art nègre. Art de communion, art d’invention qu’a-t-il de commun avec ce monde de la solitude et de la machine ? L’homme qui imprimait sa marque sur les choses accompli maintenant des gestes vides. Car c’est du fond de cette solitude qu’il va se créer une nouvelle communauté. L’art nègre était l’instrument d’une volonté de saisir le monde, c’est la même volonté qui survit ici sous d’autres formes. Regardez bien cette technique qui affranchi l’homme de la magie. Elle présente parfois avec elle une étrange parenté de gestes. C’est toujours contre la mort qu’on se bat. La science comme la magie admet la nécessité du sacrifice de l’animal, la vertu du sang, la fixation des forces mauvaises. Le sorcier capture toujours des images et la mort est toujours un pays où l’on va en perdant la mémoire.

Non, nous n’en sommes pas quittes en enfermant un Noir dans sa célébrité, et rien ne nous empêcherait d’être ensemble les héritiers de deux passés si cette égalité se retrouvait dans le présent. Du moins est-elle préfigurée par la seule égalité qu’on ne dispute à personne, celle de la répression. Car il n’y a pas de rupture entre la civilisation africaine et la nôtre. Les visages de l’art nègre sont tombés du même visage humain, comme la peau du serpent. Au-delà de leurs formes mortes, nous reconnaissons cette promesse commune à toutes les grandes cultures d’un homme victorieux du monde. Et blanc ou noir, notre avenir est fait de cette promesse. »

(Paris) - L’extraordinaire documentaire Les statues meurent aussi, réalisé en 1953 par Alain Resnais et Chris Marker (prix Jean Vigo 1954), défendait la thèse d’une liquidation de l’art africain par le colonialisme, expliquait une mise à nu des mécanismes d’oppression et d’acculturation, le développement d’un art de bazar parce que le Blanc est acheteur, montrait qu’il n’y a pas de rupture entre la civilisation africaine et la civilisation occidentale.
Il faut voir et revoir ces vingt-neuf minutes magnifiques, poétiques et si lucides pour l’époque et encore maintenant… et écouter le texte de Chris Marker, dit par Jean Négroni.
Où en sommes-nous aujourd’hui ? Cinquante ans après les premières indépendances, ces statues nous parlent-elles encore ? Quelle place le Noir a-t-il conquis ? Quelle place le Blanc lui a-t-il laissé ? Où en sommes-nous, toutes et tous, de ce métissage ? Qu’en est-il de cette “nouvelle communauté” qu’évoquent Alain Resnais et Chris Marker à la fin de leur documentaire ?

On the Pale Fox's trail. Dogon

Wed, 06 Apr 2011 14:28:58 GMT

GRIAULE ( Marcel, 1898-1956 )

Ethnologue français. En 1931, soutenu par Paul Rivet, il organisa une expédition de Dakar à Djibouti au cours de laquelle li explora le pays Dogon. En 1941 il devint directeur de l’institut des langues et civilisations orientales et il obtint en 1942 la chaire d’ethnographie de la Sorbonne. Sa mission la plus importante fut sans nul doute celle de 1946-1947 au Mali. Ses entretiens avec Ogotemmeli lui révélèrent le rôle déterminant des mythes dans l’organisation sociale des Dogon et furent prétexte à la rédaction de son œuvre majeure : «Dieu d’eau» (1948). Parmi ses autres publications : "Masques dogons" ( 1938), "Renard pale. Ethnologie des Dogon" écrit en collaboration avec G. Dieterlen (1965).

Dieu d'eau, entretiens avec Ogotemmêli ( Fiche de lecture)

Baroness Karen Blixen

Thu, 18 Feb 2016 11:59:48 GMT

Baroness Karen Blixen

La baronne Karen von Blixen-Finecke, née Karen Christentze Dinesen, et connue sous son pseudonyme d'Isak Dinesen (17 avril 1885 à Rungstedlund dans la commune de Hørsholm – 7 septembre 1962 à Rungstedlund) est une femme de lettres danoise, célèbre pour avoir écrit La Ferme africaine dont est tiré le film Out of Africa : Souvenirs d'Afrique et Anecdotes du destin dont une nouvelle sert de base au film Le Festin de Babette.

Biographie

Elle est la fille d'Ingeborg Westenholz1 et de l'écrivain et officier Wilhelm Dinesen qui, semble-t-il, aurait été atteint de syphilis, et en conséquence se suicide par pendaison alors que Karen n'a que neuf ans, en 1895.

Elle fait ses études à Copenhague, puis des études d'art à Paris et à Rome.

Riche, elle rejette le mode de vie bourgeois et se tourne vers la peinture et l'écriture. Elle disait : « Je n'ai jamais tant aimé en ce monde que la peinture et l'écriture. Mais si j'avais à choisir, je ne serais ni peintre ni écrivain mais fermière. »

Elle fait ses débuts d'écrivain en 1907 par la publication d'un conte, Les Reclus (Eneboerne). D'autres suivront jusqu'en 1909. Puis Karen Blixen cesse d'écrire devant leur peu de succès.

En 1909, elle éprouve une grande passion non partagée pour son cousin issu de germain, Hans von Blixen-Finecke, suivie d'une longue période de désespoir.

En décembre 1912, elle se fiance avec le baron Bror von Blixen-Finecke, frère jumeau de son ancien amour. L'année suivante, les fiancés projettent l'achat de la plantation de café M'Bagathi, dans l'actuel Kenya, qu'ils réalisent grâce à un important investissement financier de la famille de Karen. Bror Blixen est nommé directeur des Cafés Karen, choix qui se révèle malheureux en raison de ses faibles talents pour la gestion et l'agriculture. Le 14 janvier 1914, Karen Blixen débarque à Mombasa2 et se marie le jour-même avec Bror. Peu après son mariage, elle apprend que son mari lui a transmis la syphilis.

En raison de la difficulté d'un traitement sur place, Karen Blixen repart se faire soigner au Danemark en 1915. Son frère et confident, Thomas Dinesen, la rejoint pour l'aider à la plantation de 1918 à 1923. Les deux époux s'éloignent de plus en plus, notamment en raison de la gestion calamiteuse de Bror et de ses infidélités (d'ailleurs tolérées3). Ils divorcent en 1925, mais restent en bons termes.

Les monts Ngong, où chassaient Denys Finch Hatton et Karen Blixen.

En 1918, son mari lui présente l'aventurier Denys Finch Hatton, pilote de l'armée de l'air britannique et guide de safari. Il devient le grand amour de sa vie, même si leurs relations sont parfois orageuses ; charismatique et érudit, il l'encourage à écrire. Karen Blixen accueille le 9 novembre 1928 dans sa ferme le prince de Galles, futur Édouard VIII, héritier du trône d'Angleterre4. Finch Hatton la quitte pour l'aviatrice britannique Beryl Markham. Il meurt dans l'accident de son avion personnel le 14 mai 1931, à 44 ans. La situation financière de l'exploitation se dégrade d'année en année. La ferme est finalement vendue, et Karen Blixen doit quitter définitivement l'Afrique en juillet 1931. Dans une dernière lettre avant de quitter le continent africain, elle écrit :

Même si elle a été un peu plus tendre envers certains autres, je suis malgré tout persuadée que j'ai été l'un des favourite children de l'Afrique. Un vaste univers de poésie s'est ouvert à moi et m'a laissée pénétrer en lui, ici, et je lui ai donné mon cœur. J'ai plongé mon regard dans celui des lions et j'ai dormi sous la Croix du Sud, j'ai vu les grandes plaines être la proie des flammes et alors qu'y poussait une herbe verte et tendre après la pluie, j'ai été l'amie de Somali, de Kikuyu et de Maasaï, et j'ai survolé les Ngong Hills, "j'ai cueilli la plus belle rose de la vie" - je crois que ma maison a été une sorte de refuge pour les passants et pour les malades et qu'elle a été pour tous les Noirs le centre d'un "friendly spirit"."5

Le 19 août 1931, elle accoste à Marseille, puis rejoint le domaine familial de Rungstedlund, le 31 août. Elle est alors financièrement ruinée, sentimentalement désespérée, et sans perspective d'avenir ; après avoir dû quitter sa ferme et l'Afrique, elle voit son échec comme total. Pour combler le vide de sa vie, elle se met à écrire, alors qu'elle approche la cinquantaine. « Personne n'a payé plus cher son entrée en littérature », dira-t-elle plus tard.

Après de nombreux refus, ses Sept contes gothiques sont enfin acceptés, en 1934, par un éditeur américain, Robert Haas. Karen Blixen décide de les publier sous le pseudonyme d'« Isak Dinesen ». L'accueil du public américain est enthousiaste. La Ferme africaine (Den afrikanske Farm, titre en danois ; Out of Africa en anglais) sort en 1937. Confinée au Danemark occupé pendant la guerre, elle publie Les contes d'Hiver (Winter's Tales) en 1942.

Après la Seconde Guerre mondiale, son domaine de Rungstedlund devient un petit cercle littéraire, où Karen Blixen reçoit de nombreux jeunes écrivains et intellectuels danois, principalement issus de la revue littéraire Heretica. Elle engage Clara Selborn qui devient sa secrétaire, ainsi que sa conseillère artistique et économique. Une amitié particulière la lie de 1948 à 1955, avec un jeune poète danois, Thorkild Bjørnvig, de trente ans son cadet, qu'elle héberge et fait vivre dans son domaine. Cette histoire est racontée par Bjørnvig lui-même, dans Le Pacte, inédit en France, douze ans après le décès de Blixen.

Elle s'affirme peu à peu comme une figure de premier plan de la vie artistique danoise, notamment par le biais de nombreuses causeries radiophoniques.

En 1958, Karen Blixen prend l'initiative de créer une fondation pour la pérennité de son domaine de Runstedlund, avec la création d'une réserve pour les oiseaux dans le parc. Elle publie la même année Les Derniers Contes, comprenant notamment Le Festin de Babette.

Affaiblie et malade, elle entreprend un voyage de quelques mois aux États-Unis en 1959, où l'accueil de son public est triomphal. Karen Blixen réalise un rêve : dîner avec Marilyn Monroe et son mari Arthur Miller.

Elle voyage encore à Paris en 1961, puis meurt, assistée par son frère, dans sa maison de Rungstedlund, le 7 septembre 1962. Elle est enterrée dans le parc de sa demeure devant environ trois cents personnes.

Origines de La Ferme africaine

Musée Karen Blixen à Karen, près de Nairobi dans sa ferme du Kenya

Durant l'année 1913, Karen et Bror, alors fiancés, cherchent à créer une plantation de café dans l'Afrique Orientale anglaise. Bror parvient à acheter la plantation de café M'Bagathi, grâce à un important investissement financier de la famille de Karen Blixen. L'entreprise prend pour nom la Karen Coffee Co. Bror Blixen est nommé directeur, mais montrera vite qu'il n'a pas l'étoffe d'un patron.

Dès 1917, le conflit éclate entre les époux sur la destinée de l'entreprise. En 1920, Aage Westenholz, oncle de Karen et président de la Karen Coffee Co., vient sur place pour statuer sur l'avenir de la ferme. Il choisit de relever Bror Blixen de ses fonctions de directeur au profit de Karen, l'intimant de ne plus prendre aucune fonction dans la plantation. Elle pense pouvoir redresser la situation, mais dès 1923, le propre frère de Karen Blixen est convaincu que la ferme n'est pas économiquement viable. Au cours des années suivantes, Karen ne cesse de demander de l'argent à sa famille pour faire survivre l'entreprise. Pour sa famille danoise, il semble que les fonds envoyés sont plus perçus comme une œuvre caritative et d'évangélisation religieuse qu'un investissement financier.

La situation ne cesse de se dégrader. Finalement en 1931, la société anonyme est contrainte de se placer en liquidation et de vendre la ferme. Karen Blixen passe les derniers mois à écouler la dernière récolte et tenter d'assurer la situation de ses employés.

Maladie

La tombe de Karen Blixen à Rungstedlund

Son mari volage lui transmet la syphilis après leur mariage (ils se séparent en 1921 et divorcent en 1925, mais restent en bons termes).

Soignée par un traitement au mercure, sa syphilis semble avoir été guérie de son vivant : des tests approfondis, après 1925, sont incapables de trouver la présence du tréponème pâle dans son organisme. Il est peu vraisemblable qu'elle ait souffert de neurosyphilis. La plupart des symptômes semblent dus au traitement, plutôt qu'à la syphilis elle-même. Les troubles neurologiques attribués à un tabès étaient probablement la conséquence tardive de ses traitements : mercure, arsenic et bismuth8.

En 1955, à l'âge de 70 ans elle doit subir une intervention chirurgicale sur la moelle épinière ainsi qu'une gastrectomie pour un ulcère de l'estomac. Son alimentation en sera définitivement perturbée, provoquant une malnutrition à l'origine de son décès à 77 ans, alors qu'elle ne pèse plus que 31 kg. Elle repose désormais au fond du parc de sa propriété de Rungstedlund.

FEMME

Sun, 31 May 2015 12:15:03 GMT

CARRE RIVE GAUCHE 2015

" FEMME "

2 JUIN 2015

Chère Madame , cher Monsieur,
Nous restons à votre entière disposition pour tous renseignements concernant les pièces.
Nous serions ravis de vous accueillir à la galerie du lundi au samedi de 14h à 18h et sur rendez-vous pour une visite privée.
Bien à vous.

Armand Auxiètre
ART GALLERY L'OEIL ET LA MAIN

41, RUE DE VERNEUIL – 75007- PARIS

Mailto : contact@agalom.com

WWW.AFRICAN-PARIS.COM

D'un regard l'autre

Wed, 17 Jun 2009 08:36:19 GMT

At a glance the Other

History of European eyes on Africa, America and Oceania

At a glance, and one devoted to successive visions brought by Europeans on the cultures of Africa, the Americas and Oceania. This program is a pretext to put into perspective by thematic series, the relativity of our eyes on the threshold of a new museum. Rather than return to the past, this catalog (and exhibition which is the source) marks a starting point.

From the Renaissance to today, the "idols of the Indians", "instruments of the natives," "primitive fetishes," "Negro Sculpture" or "first arts" were the witnesses of likes and dislikes, revealing reflections on otherness. The originality of this publication reflects historical depth that allows to include these objects in a broader history of art.

The Musée du Quai Branly appealed not only to works of other cultures, reflecting the first contacts with Europe, but also to European works within the midst of which they were placed. The catalog shows as well, in a strange series of chapters, how European eyes have gradually allowed other creations from, for example, curiosity amazed rankings systematic evolutionary wanderings of the images of the Universal.

Throughout the pages, the reader travels with the Nave of Charles V., Écouen treasure museum, portraits of Indians of Brazil painted in 1637 for the palace of the Prince of Nassau, rhinoceros horn cups Habsburg Pre-Columbian mask of turquoise mounted by the Medici in a piece of jewelry, the Afro-Portuguese ivories of the sixteenth century, the Tahitian mourner's costume brought by Captain Cook, a mysterious Crystal Skull, The Snake Charmer Henri Rousseau's , mask Punu acquired by Picasso in 1908, Black and White Man Ray ...
Description

Hardcover

352 pages format 25.8 x 28.5 cm

420 color illustrations

retail price: 49 €

isbn 2-915133-32-8 / 2-7118-5219-9

Co-published Branly / RMN
curator

Yves Le Fur, deputy director of collections and heritage, head of the permanent collections, the Musée du Quai Branly
authors

Zeno Bianu Monique Jeudy-Ballini, Adrienne Kaeppler, Maureen Murphy, Pascal Riviale, Nanette Snoep, Claude Stefani, Françoise Viatte.

At a glance the Other
September 18, 2006 to January 21, 2007, Garden Gallery

This exhibition puts into perspective the multiplicity of views that Europe has brought about the cultures of Africa, America and Oceania, discovered mainly by sea, from the Renaissance to the present.
Veritable manifesto for the new museum, it raises the question of otherness through a unique set of objects. Idols, trinkets, exotic fetishes, primitive sculptures trace the diversity of approaches that initiate a history of Western culture in its relation to the Other, sometimes perceived as being original, pure and innocent, sometimes as savage or cannibal bloodthirsty instincts.
Europe and parts are also shown to better understand the context in which the works of other cultures could be accommodated.
This walk through time and space to monitor calls and vagaries of taste, between wonder and awe, curiosity and fantasy, contempt and recognition.

the route of exposure

The exhibition is organized around major themes that are available from a number of historical landmarks. Included are constants: the recurring presence of a certain type of objects (including weapons), some images (the wild, Eden) and the permanence of a constantly renewed reflection on man and universe.
1. Theatre World

This first table looks History begins in the Renaissance from the late fifteenth century with the first conquests of the "terra incognita", including the coasts of Africa and Ancient America, and ends around 1760 when to specify the mapping study and body anatomy. Knowledge of outside and inside are then echoed the same desire encyclopedic.
The cabinets of curiosity or "chambers of wonders" also appeared with the aim of gathering together in a microcosm of the macrocosm of the universe, all knowledge, new technologies.
Thus, all sorts of miscellaneous objects (which relates to jewelry and clothing, rare and precious materials, shells, insects, plants with medicinal properties allegedly, fossils, skulls and skeletons, the remains of the Antiquity ...) Are they together according to their shape and their power analog.
2. natural history of the world

Between 1760 and 1800 about Pacific exploration encourages the encounter of worlds seemingly antagonistic. Large shipments often consists of scientists, botanists, cartographers, and watercolor painters led by great navigators: Cook, Bougainville, La Perouse, the most illustrious, plying the South Seas. The look of these travelers on the manners and customs of the "natural" influence the taste of Europeans. The gold coins, ivory or feathers, for example, are particularly popular and sought after.
The notion of "noble savage" about people, and that of "exotic curiosities' own works performed in these distant lands grows alder Enlightenment. In the West, is born of the feeling is strange, singular, unusual, inseparable from a kind of fascination mixed with fear for these objects, being diverted from their original destination, are growing in mystery.
3. herbarium specimens or the general world

The first half of the nineteenth century was marked by a growing interest in natural sciences. Flora, fauna, as well as "material production" of indigenous peoples of America and Oceania are classified, indexed, cataloged according to their provenance and use, and begin to take place in the first European museums. This expanded collection due to a deepening of knowledge does not exclude a distorted or transposed, often idealized and picturesque country and met men. The traveling artist responds to the imaginary referred methodological scholars. The evidence from this period thus often oscillate between documentary realism and open to the exotic stereotype wonderful.
4. science of peoples, the invention of mankind

Although slavery was abolished in France in 1848, his gaze focused on the Other, from the 1850s, has not ennobled. Far from it. Anthropometry and evolutionary theories, establishing a hierarchy among inferior races destined to disappear and superior races, are in line of colonialism and imperialism, which is behind the idea of civilization.
Ethnographic museums, in parallel, are born and grow rich through missions abroad more frequently. In this regard, the trophies well represented, and the first photographic shots illustrate the concept of capture, flourishing in the late nineteenth century. In contrast, exposure of fetishes or "rude idols" denounce the barbarity of the "native" wild qualified regularly.
It was not until the early twentieth century that other eyes alight on the so-called primitive objects and the men who created them.
5. aesthetic shift

Recognition is primarily in the early twentieth century by poets, artists and collectors Cubist Expressionist, Fauve, surreal.
This awareness of a pantheon of world art, which encompasses all cultures, through the redefinition of terms previously used. The words "wild", "negro" or "primitive" and lose their negative connotation associated with the concept of "artwork" that was not really right of citizenship. "Cannibal", "magic", "fetish" are also reused as a reaction against bourgeois codes and an academic flavor.
While the Colonial Exhibition of 1931 suggests, however, that racial prejudice is still stubborn, a reflection of increasingly sophisticated began on the identity of the object, its function, its mode of creation, although it is still matter of styles, ethnicities, and anonymity of the artist. Aesthetic criteria are no less eclectic, uneven and highly dependent on the modes that are launched and tracked ...
In 1947, André Malraux built his "imaginary museum", "immense range of invented forms" in which the primitive arts join the sacred arts of great civilizations. Since then, some major events including the entry of "primitive art" at the Louvre confirm the valuation of companies too often ignored and nobility of this look that went on to gain over time.
Is an important place for the photograph in the exhibition.
Ethnographic collections from leading French, often unpublished, portraits and landscapes are shown, reflect a certain conception of the exotic own in the nineteenth century. In the next century, photography, too, is changing its status from the stage of simple document to the rank of works of art.
International Exhibition

This is an exhibition that brings together exceptional works (funds Branly, loans from foreign museums, contemporary art, creations ...) for 3-4 months.
His visit time is around half past one. It is planned three for the 2006-2007 season.

upcoming exhibitions

Arts in New Ireland
The Garden of Love, an installation by Yinka Shonibare
Looking On the Other

Curator: Yves Le Fur
Project Leader: Helen CERUTTI
Architects: Stephane Maupin, Nicolas Hugon

PlanÃ¨te mÃ©tisse

Wed, 17 Jun 2009 08:38:24 GMT

Metisse world
edited by Serge Gruzinski

To Mix ot not to mix?

It is to dwell on the notion of miscegenation, topical if any, by confronting the reader to a series of oppositions common, calling into question the strong taste of the West for dualism: Classical / ethnic, antique / classic, original / first, folk / colonial, exotic / Typical ...

Open exhibition and publication on issues related to the idea of mixing that lead almost without transition, to an exploration of memory. These elements suggest to think logically about how to be "manufactured" objects mixed with it is often difficult to define the contours. They could be defined as the expression of a human creation that arose at the confluence of the Worlds and European companies in Asia, Africa and America. They are at the heart of a story that is played worldwide since the fifteenth century to the present.

After several steps that will reveal many little-known works, the course ends with an imaginary encounter with the contemporary Métis, particularly through Hollywood and Asian cinema.
Description

184 pages 24 x 26 cm

About 150 illustrations

Retail price: 45 €

Hardback

Isbn 978-2-7427-7344-2/978-2-915133-81-3

Co-published Branly / Actes Sud
curator

Serge Gruzinski is a historian, director of research at CNRS and director of studies at EHESS, he is the author of several books founders. After devoting a book to the war of images that had delivered the Spaniards and Mexican Indians in the first centuries of colonization (Images of War - Christopher Columbus "Blade Runner" (1492-2019), Fayard, 1990 ), he signed in 1995, a test widely developed: The Mestizo Mind. It is also the author of The Eagle and the Sibyl, Indian Murals of Mexico, published by Actes Sud / Imprimerie Nationale.

Metis planet: to mix or not to mix
March 18, 2008 to July 19, 2009

exhibition poster Metis

Interbreeding, colonization, globalization, the "clash of civilizations" ...

Realizing the contact of peoples and traditions of coexistence of mixed identities, the notion of mixing reflects a way of conceiving the relations between different cultures. Exposure Planet Métissesouhaite stimulate the imagination of visitors as part of a journey that makes the objects interact with each other, the fifteenth century to the present. It analyzes the impact of European expansion, mainly Iberian on other civilizations and influences between East and West in the wake of major expansions, including Chinese and Muslim. This exhibition of objects and arts showcases the richness of artistic production from the interbreeding of ways of doing and believing, creating and designing.
around the exhibition
dedicated website

Click here to see the website of the exhibition

see and download the flyer for the exhibition
Catalogue Planet Metis

edited by Serge Gruzinski - 224 p - coedition Branly and Actes Sud - 45 €. For more information on the catalog, click here
Book Exhibition

- 16 p - 3 €
audio-guided tour

With the audio guide "Planet Metisse," Serge Gruzinski, curator of the exhibition, Alessandra Russo, historian and assistant commissioner, and Boris Jeanne, historian, guide you along the route of exposure.

Paris, racially diverse city

A day of discovery devoted to interbreeding: after visiting the exhibition, discover Paris's Chinatown ...

Learn more about the course and rates of Paris, racially diverse city ...
plug-term exposure

download the plug-term ...
film cycle at the reading room Jacques Kerchache cities Métis

the last Saturday of the month at 16h - go free and available without a reservation within the limits of available places

details on programming cycle cinema cities Métis
November 2008 records: Métissages film cycle of the image, blending the look ...

cinema of the Musée du Quai Branly

14 sessions open access, subject to availability

See the schedule of meetings ...
Commissioner Serge Gruzinski

International specialist of the New World, Serge Gruzinski has already worked with the Musée du Quai Branly. In 2004 he was scientific director of the conference, "Experience Metisse," which proposed to compare different perspectives on the issue of miscegenation in the civilizations of the world.

Serge Gruzinski is a historian, director of research at CNRS and director of studies at EHESS, he is the author of several books founders.
After devoting a book to the war of images that had delivered the Spaniards and Mexican Indians in the first centuries of colonization (Images of War - Christopher Columbus "Blade Runner" (1492-2019), Fayard, 1990 ), he signed in 1995, a test is especially devoted to the "Mestizo Mind."

Qu'est ce qu'un corps ?

Wed, 17 Jun 2009 08:37:22 GMT

What a body?

I have a body good to me, it seems, and that's because I'm me. I count among my properties and pretend to carry him on my full sovereignty. I think therefore unique and independent. But it is an illusion because there is no human society where it is believed that the body is worth by itself. Every body is created, not only by their fathers and mothers. It is not made by one who has it, but by others. No more in New Guinea, the Amazon or Africa than in Western Europe, it is thought as a thing. Instead, it is the particular form of relationship with the otherness that constitutes the person. Depending on the perspective of comparative anthropology adopted here is that other, respectively, the other sex, animal species, the dead or the divine (secularized in the modern age, in the teleology of living). Yes, my body is what reminds me that I find myself in a world populated by example, ancestors, gods, enemies or people of the opposite sex. My body really mine? It is he who I do not belong, I is not alone and that my destiny is to live in society.
Description

224 pages 24 x 26 cm

240 color illustrations

1 map

retail price: 45 €

isbn 2-915133-17-4

Co-published Branly / Flammarion
curator

Stéphane Breton, anthropologist, documentary filmmaker, lecturer at the EHESS, member of the Laboratory of Social Anthropology (EHESS / CNRS / College de France). He has published several books including: TV, Grasset, 2005, the gender masquerade, Calmann-Lévy, 1994, Rivers still, Calmann-Lévy, 1994. He also directed three films, chronicles of past stays in the people of the Highlands of New Guinea, Wodan, and among the Kirghiz, broadcast on Arte: They and I, Les Films d'Ici & Arte, 2001; Heaven in a garden, Les Films d'Ici & Arte, 2003, was a silent, 2006.
authors

Michele Coquet, anthropologist, researcher at CNRS, member of the Laboratory for Systems Thinking in Black Africa "(EPHE / CNRS)

Michael Houseman, anthropologist, director of Edudance at the Ecole Pratique des Hautes Etudes, director of the Laboratory for Systems Thinking in Black Africa "(EPHE / CNRS)

Jean-Marie Schaeffer, philosopher, director of research at CNRS, Director of the Centre for Research on the arts and language (CNRS / EHESS)

Anne-Christine Taylor, an anthropologist and director of research at CNRS, member of the research team in Native American Ethnology

Eduardo Viveiros de Castro, an anthropologist, professor of anthropology at the Museu Nacional do Brasil, Rio de Janeiro, director of research associated with the research team in Native American Ethnology (CNRS).

What is a body?

For 18 months, a major exhibition of Anthropology deals with universal issues of relationships between men and is the culmination of a scientific research section.

West suspended Gallery (museum admission)
until September 23, 2007

What a body? To this question, the first major exhibition of Anthropology Branly offers an unexpected response.
It invites visitors to compare how the body and person are represented in four regions: West Africa, Western Europe, New Guinea and Amazonia. Against the typically Western idea of the body as the seat of an irreducible singularity, the team of anthropologists led by Stéphane Breton shows that no human society - including our own, despite what she thinks - does a body "private matter", an object strictly individual. Indeed, the body is understood by different people as a semi-finished product must be complete: it is the subject of a work, a "fabrication." "I'm not alone in my body: the body, the individual enters into a relationship with" something that is not itself ", which changes according to culture. The body is the locus of expression of a confrontation: male / female, living / nonliving, divine / image, human / non-human ... so many objections that are found in the productions ritual, social, art (sculptures , objects, images of the body ...) presented here.

Catalogue
What a body? edited by Stéphane Breton, 224 pages, co-published Branly / Flammarion, 45 €
the route of exposure

It revolves around four main areas that focus on a specific geographical area by providing each time a different view of this "other" as the body, namely, the dead for West Africa the divine for Europe, the other sex for New Guinea, and the animal kingdom for the Amazon.
1 - West Africa

the body and its double (the ancestors, the mythical founders and engineering of the jungle)

In societies of West Africa as the Dogon, Bambara, Senufo and Lobi, shaping the body is inseparable from the close relationship between the living to their ancestors, as guarantors of prosperity and fertility.
Furthermore, men worship the mythical beings who have founded the village of origin. These icons are embodied in the human figure sculptures.
The third, equally constitutive of the body, manifests itself through the genius of the bush, a kind of abstract and intangible spirit which, like other double exists before the body and survives him.

"The body is of the earth"
Man creates forms, altars consist of non-figurative elements from the earth and usually contained the ancestors.

"The newborn is a foreigner"
The newborn belongs to the world of ancestors and spirits. A number of rituals including circumcision and scarification led him to become a whole person.

"Game of mirrors"
The sculpture reflects the image of mythical figures copies. The nobility of attitude, the attributes, insignia of power, wisdom and wealth, marks showing the power of participating fertility of the plastic quality of a work and its symbolic effectiveness.

The sculpture is so plastic and necessary counterpoint to inform or informal representation of ancestors and the invisibility of geniuses.
2 - Western Europe

body image is

In Christian Europe, the idea of the Incarnation, of which Christ is the perfect symbol, is fundamental. The man, according to this view, was created in the image and likeness of God and the body, instead of imitation, has become a sign and instrument of that relationship to the divine.
But in the modern world, partly de-Christianized, transcendence has taken other forms and is in the biological model, a new ideal of beauty.
This part of the exhibition, which focuses on different modes of representation of the body in the West, shows images often degraded or distorted, floating like platitudes in space. Faced with this virtual world, is one sculpture Romanesque work of the twelfth century which depicts Christ on the cross.
3 - New Guinea

Matrix Men

In New Guinea, theories of procreation by which the embryo is formed by mixing the sexual substance of the father (sperm) and mother (blood), lead to the idea that the body is a compound male and female. The human being is fundamentally androgynous.

"Transformation content container"
The male body is a body content contrary to the female body is a body container.
If he wants to perpetuate itself, man must realize his own capacities Nursery, become a body comprising a body that contains something fruitful. This ambition is realized symbolically by the rites of initiation in which we use ritual sculptures depicting the transformation of the body content body containing.
In the Gulf of Papua, it is by devouring the male body asserts her femininity. In this way, the object becomes an object swallowed men embracing.
In the Sepik River region, the brackets and tubes phallic adorning ritual objects come together to transform the male body into a body of engulfment.

"The female body is the ideal male body"
And the ideal form of ritualized male body done is represented by a male ancestor female wearing a kilt, a crocodile or a monster of basketry in the world symbolically putting the boys through bleeding or excretion. It is a body whose matrix K provided the plastic model and becomes a social body, allowing fathers to perpetuate their son.
4 - Amazon

a body made of looks

In Amazonia, in the lowlands of South America, the body does not own form. It takes that imposed the special relationship maintained with such other matters according glances exchanged between the perceiver and that which is perceived.
Have a human body is a state which also depends on the relationship of predation.

"Parent body"
Have a human body involves legal provisions in respect of his peers and non-human. These provisions included in the body is marked with the clothing and ornamentation.
The feathers of certain birds, for example, are intended to inform one possesses the capacity to live as a couple or "parents".

"Body of prey and predator"
Loneliness, weakness, sickness and death signal that our body has become a prey, a victim of predation invisible.
Become a predator, however, others see it as prey. This metamorphosis is indicated by the ornaments of teeth and claws, by paintings, by the singular behavior.
The spirits are often evidenced by predators masks or human trophies. These effigies, always provided with eyes and fangs, materialize the body of nonhuman animated hostile disposition towards the living.
in connection with the exhibition ...

... showcases some of the trail's permanent exhibition to discover.
West Africa

A fine Bamana sculpture is made only in the AF window 028, another is shown alongside two other female statuettes Dogon and Mossi in the window AF029.
AF 030 with the windows of the Senufo statuary, and AF 061 with a large selection of sculptures Lobi will extend the visit.
New Guinea

The window has two hooks 004 OC and a board-related malu rite of passage for young men and showcase OC contains only 005 hooks. We find a hook with a mask in the window OC 008. A series of long-nosed masks is also visible in the window 024 0C while the OC showcase 023 features statues of ancestors of clans which an interesting betel mortar.
Amazon

Showcases AM 020 and AM 023 offer under a wide range of ornaments of feathers. 022 AM The showcase contains a single large cap mojo Bolivia impresses with its rich colors.
what a body?

Commissioner General of exposure: Stephane BRETON
design: Frédéric Druot

FÃ©lix FÃ©nÃ©on

Mon, 22 Sep 2014 15:57:26 GMT

Félix Fénéon

Paul Signac, Sur l'émail d'un fond rythmique de mesures et d'angles, de tons et de teintes, Portrait de M. Félix Fénéon en 1890, Opus 2171.

Félix Fénéon en 1901 par Maximilien Luce.

Félix Fénéon est un critique d'art, journaliste et directeur de revues français, né à Turin (Italie) le 22 juin 1861 et mort à Châtenay-Malabry (Hauts-de-Seine) le 29 février 1944. Anarchiste, il est inculpé, en 1894, lors du procès des Trente

Jean Paulhan a écrit un essai intitulé Félix Fénéon ou le critique : Félix Fénéon incarne en effet avant tout le critique au goût très sûr, qui savait que Rimbaud, Jules Laforgue, Stéphane Mallarmé, Paul Valéry et Apollinaire seraient les grands écrivains de son temps et non Sully Prudhomme ou François Coppée, et qui rendait justice aux impressionnistes puis post-impressionnistes quand ses confrères encensaient les Pompiers.

Le Prix Fénéon, littéraire et artistique, est créé en 1949 à l'initiative de la veuve de Félix Fénéon, Fanny Goubaux.

De 1881 à 1894, Félix Fénéon fut employé au ministère de la guerre. « Personne ne savait comme lui rédiger un rapport sur n'importe quoi, affirme un de ses collègues cité par Octave Mirbeau, et il se faisait une joie de rédiger les rapports des autres, pour qui ce travail intellectuel était une angoisse, une torture, et souvent une insurmontable difficulté. Les rapports de Fénéon étaient, paraît-il, des façons de chefs-d'œuvre, nets, précis, d'une langue administrative parfaite. Ce subtil et délicieux artiste, qui se plaisait parfois aux curieux déhanchements de la phrase, aux concordances de rythmes bizarres, avait la faculté d'écrire comme un rédacteur de codes. Il aimait à plaisanter ce talent particulier, mais qui prouve, contrairement aux récits de quelques nouvellistes, lesquels me paraissent ne guère connaître celui qu'ils biographient et jugent avec tant d'assurance, combien son esprit était clair2. »

Portrait de Félix Fénéon

par Félix Valloton

paru dans Le Livre des masques

de Remy de Gourmont (vol. II, 1898).

Il s'engage dans le mouvement anarchiste dès 1886 et collabore à de nombreux journaux ou revues libertaires comme L'Endehors (dont il assumera la direction pendant l'exil de Zo d'Axa) à Londres, La Renaissance, La Revue Anarchiste, etc. On l'accuse d'avoir été l'auteur de l'attentat contre le restaurant Foyot, le 4 avril 1894 (attentat qui coûta un œil à Laurent Tailhade, ami personnel de Fénéon3.) Une perquisition à son domicile, et à son bureau au Ministère de la Guerre, laisse découvrir du matériel, mercure, qui, selon l'accusation, aurait pu permettre de fabriquer une bombe. Il fait partie des accusés lors du « procès des Trente » en août 1894. De nombreux artistes et écrivains, notamment Stéphane Mallarmé et Octave Mirbeau, prennent sa défense. Mallarmé et Charles Henry viendront témoigner en sa faveur, tandis que Fénéon se paie le luxe de ridiculiser les magistrats par ses reparties piquantes et spirituelles ("Je ne lance de bombes, que littéraires...")4,5. En particulier, il explique que le mercure pouvait servir à confectionner des baromètres.

Très persuasif, il est finalement acquitté. Embauché par les frères Natanson, directeurs de la Revue blanche, il en devient secrétaire de la rédaction6 puis le rédacteur en chef. Il est partie prenante dans le soutien apporté à Alfred Dreyfus par les intellectuels regroupés autour de la Revue blanche et d'Émile Zola. Il est un des signataires du Manifeste des intellectuels publié par L'Aurore le 14 janvier 1898. Il continue sa carrière journalistique au Figaro puis au Matin, où il rédige ses célèbres Nouvelles en trois lignes.Il abandonne le journalisme à la fin de 1906 et devient employé puis directeur artistique de la galerie Bernheim-jeune, rue Richepanse et, dans le même temps un des directeurs littéraire aux Éditions de la Sirène. Après la Première Guerre mondiale, et devant la révolution russe de 1917, il s'éloigne de l'anarchisme pour se rapprocher, dans l'amitié de Paul Signac, d'une sensibilité communiste. Félix Fénéon est de son vivant surtout connu comme critique d'art et découvreur de talents. On lui doit un texte de première importance, le manifeste du néo-impressionnisme : Les Impressionnistes en 1886. Cette mince plaquette éditée à 227 exemplaires est la seule de ses œuvres, si l'on excepte ses contributions aux volumes, Petit Bottin des arts et des lettres, Portraits du prochain siècle et Rassemblements ou Badauderies parisiennes, qui fut publiée du vivant de son auteur7. Cofondateur de La Libre Revue et de La Revue indépendante (1884), il fut l'un des principaux rédacteurs de la revue La Vogue, il fut rédacteur, traducteur puis secrétaire de rédaction de la Revue Blanche (janvier 1894-1903). Il collabora également à La Revue moderniste, au Symboliste, à La Cravache, à La Plume, au Chat noir, aux Entretiens politiques et littéraires de Francis Vielé-Griffin, au Père peinard. Il fit découvrir et, ou, publier, des auteurs tels que Jules Laforgue, Jarry, Mallarmé, Apollinaire, Rimbaud, etc. En peinture, il contribua à faire connaître, tout d'abord, Seurat, puis Camille Pissarro déjà bien installé, Pierre Bonnard, Paul Signac, Kees van Dongen, Henri Matisse, Maurice Denis, Émile Compard, etc.

« Malgré son aspect volontairement froid, sa politique un peu roide, le dandysme spécial de ses manières, réservées et hautaines, écrit Octave Mirbeau, il a un cœur chaud et fidèle. Mais il ne le donne pas à tout le monde, car personne n'est moins banal que lui. Sa confiance une fois gagnée, on peut se reposer en lui comme sous un toit hospitalier. On sait qu'on y sera choyé et défendu, au besoin. » « Tout était étrange en lui, note Jean Ajalbert, de sa longue tête anguleuse, de sa face à barbiche, de yankee de café-concert, – à son flegme jamais démonté. À travers les conversations échauffées, il n'intervenait que par apophtegmes doux, d'une voix caressante, imprévue de ce grand corps comme en bois, sous le mac-farlane rigide, le crâne surmonté du haut de forme à bords plats2.»

Signature de Félix Fénéon

Fénéon, selon la formule d'Apollinaire, « n'a jamais été très prodigue de sa prose ». Si ses articles sont innombrables, ils tiennent parfois en une demie-ligne, comme cette critique d'un roman : « Dédié à Madame Edmond Adam et certainement approuvé d'elle », ou ce commentaire dédaigneux d'un pastel médiocre : « G. Dubufe. – De M. Guillaume Dubufe. »

Il n'est pourtant pas avare d'ironie lorsqu'il s'agit de critique théâtrale. Lorsqu'Adolphe Tabarant adapte en 5 actes le roman Le Père Goriot, représenté plusieurs fois au Théâtre-Libre, il l'attaque dans Le Chat noir (revue) du 31 octobre 1891.

« Au mépris des droits de la tombe, contraindre Balzac à une collaboration, comme fait M. Adolphe Tabarant, c’est peu révérencieux. Mais, du moins, pouvait-on penser qu’un tel escaladeur de cimetières littéraires garderait cette belle hardiesse et ne voudrait voir, dans l’épisode de roman dont il s’emparait, que matière première à repétrir à sa guise en vue d’une œuvre dramatique ayant sa beauté propre et donnât, par d’autres artifices, l’équivalent de l’original. Point. »

Dans les années 1920, Félix Fénéon est le directeur littéraire des Éditions de La Sirène.Il publie là James Joyce, Jules Laforgue, Jérome K. Jérome … Après sa mort, sa collection de peintures et d'art africain, très riche, fait l'objet de trois ventes publiques. L'État s'y porte notamment acquéreur de trois études des Poseuses de Seurat, conservées aujourd'hui au musée d'Orsay.

Il s'est beaucoup engagé dans la promotion de l'œuvre de Seurat. À la demande de sa famille il établit l'inventaire pictural du peintre après son décès, aux côtés de Maximilien Luce et Paul Signac. Il a acquis tout au long de sa vie des oeuvres importantes de l'artiste qui ont ensuite été vendues et sont aujourd'hui exposées dans les musées. À partir des années 1930, il a entrepris le catalogue de l'oeuvre du peintre, achevé par César M. de Hauke (Seurat et son œuvres, Paris : Arts et Métiers graphiques/Gründ, 1961), auquel Fénéon avait donné sa documentation et les autographes qu'il possédait de Seurat8.

Œuvres

Fénéon - Iront-ils au Louvre ? Enquête sur les arts lointains, Bulletin de la vie artistique, 24, 25 et 26, 1920.djvu

Les impressionnistes en 1886

Œuvres, préface de Jean Paulhan, Paris, Gallimard, 1948.

Œuvres plus que complètes, édition Joan U. Halperin, Librairie Droz, 1970.

Nouvelles en trois lignes, éditions Macula, Paris, 1990 Le Mercure de France (2 volumes), Paris, 1997-1998, Le livre de poche, Biblio, n° LP9, 1998, Cent pages, 2010.

Correspondance de Fanny & Félix Fénéon avec Maximilien Luce, ill. par Luce de portraits originaux ; éd. établie par Maurice Imbert, Tusson, du Lérot, 2001

Petit supplément aux œuvres plus que complètes volume 1. Édition établie par Maurice Imbert. du Lérot, éditeur, 2003.

Le Procès des Trente, Histoires littéraires & du Lérot, éditeur, 2004. Édition établie par Maurice Imbert d'après les articles de journaux, 150 pages, concernant le procès rassemblés par la mère de Félix Fénéon et annotés par lui-même, illustré.

Petit supplément aux œuvres plus que complètes volume 2. Édition établie par Maurice Imbert. du Lérot, éditeur, 2006.

Correspondance de Stéphane Mallarmé et Félix Fénéon. Édition établie par Maurice Imbert. du Lérot, éditeur, 2007.

Correspondance John Gray et Félix Fénéon. Édition établie par Maurice Imbert. du Lérot, éditeur, 2010.

Iront-ils au Louvre ? Enquête sur les arts lointains, sous la dir. de Félix Fénéon, dans Bulletin de la vie artistique, 24, 25 et 26, Paris, 15 nov., 1er et 15 décembre 1920, p. 662-669, 693-703, 726-738 (no 24 et 26 puis 25 en ligne) ; repr. Toulouse, 2000 (ISBN 978-2-913243-13-2).

Georges Seurat. Préface de Maurice Imbert. L'Échoppe, collection envois, Paris, 2010.

Lettres à Léon Vanier. Introduction et notes de Maurice Imbert. Du Lérot, Tusson, 2013.

Bibliographie[modifier | modifier le code]

Guillaume Apollinaire, « M. Félix Fénéon », dans Mercure de France, t. 108, no 402, 16 mars 1914, p. 431–432

Françoise Cachin (éd.), Félix Fénéon : au-delà de l'impressionnisme, Paris : Hermann, 1966.

Joan Ungersma Halperin, Félix Fénéon and the language of art criticism, Ann Arbor : UMI Research Press, 1980.

Joan Ungersma Halperin, Félix Fénéon : art et anarchie dans le Paris fin-de-siècle, trad. française D. Aury, Paris : Gallimard, 1991 (ISBN 2-07-071699-6).

William Salama, Les nouvelles en trois lignes de Félix Fénéon : un anarchiste au "Matin", mémoire de maîtrise, Villetaneuse : Université Paris XIII Nord, 1996.

Daniel Grojnowski, Aux commencements du rire moderne. L'esprit fumiste, Paris, José Corti, 1997.

Jean-Yves Jouannais, Artistes sans œuvres, Paris, Hazan, 1997.

Jean Paulhan, F.F. ou le Critique, Paris : Gallimard, 1945, puis éditions Claire Paulhan, 1998.

John Rewald, Félix Fénéon : l'homme qui désirait être oublié, Paris : L'Échoppe, 2010.

Félix Fénéon

Portrait de Félix Fénéon par Jeanne Picq

------Né le 29 juin 1861 à Turin, Louis, Félix, Jules, Alexandre, Elie Fénéon est le fils d'un voyageur de commerce bourguignon et d'une Suissesse. Il fait de bonnes études secondaires à Mâcon. Après son service militaire, il passe en 1881 le concours de recrutement des rédacteurs au ministère de la Guerre où il sera un employé modèle et s'installe à Paris.

L'animateur symboliste et le critique du néo-impressionnisme (1883-1890)

Fénéon se distingue comme animateur de revues et rédacteur de critiques d'art et de littérature.

En 1883 il est le secrétaire de rédaction de La Libre revue ; en 1884, il fonde la Revue indépendante ; de 1885 à 1890, il anime La Vogue dirigée par Gustave Kahn, la Revue wagnérienne et la Revue indépendante auprès de Dujardin, de Wyzewa et de Kahn, collabore au Symboliste et à L'Art moderne de Bruxelles, aide Lecomte à créer La Cravache. C'est lui qui présente en 1886 les Illuminations dans La Vogue. Il se lie à Laforgue dont il publiera fidèlement les inédits après sa mort.

Il découvre Une baignade, Asnières et Seurat au Salon des artistes indépendants de mai 1884 et il publie deux ans plus tard une plaquette Les impressionnistes qui définit les règles de la peinture qu'il appelle néo-impressionniste. Admirateur de Charles Henry, il devient l'ami et le défenseur du groupe. Il présente Signac et Kahn dans Les Hommes d'aujourd'hui.

L'attitude critique de Fénéon, faite de scrupules et d'attention méticuleuse, sa grande sensibilité et son style d'une précision descriptive clinique et sèche, en font un critique exceptionnel, créateur de la modernité en ce domaine.

Il rédige avec Adam, Méténier et Moréas le Petit Bottin des lettres et des arts et avec Paul Adam qui signe Plowert un Petit glossaire pour servir à l'intelligence des auteurs décadents et symbolistes. Ses citations, qui parsèment ce dernier ouvrage montrent sa virtuosité dans l'appropriation de termes techniques, tout à fait novatrice à l'époque.

Le compagnon de route des anarchistes (1891-1894)

En 1891, la mort de Seurat après celle de Laforgue frappe Fénéon. Il collabore au Chat Noir, à La Plume, et à L'Endehors, journal de son ami Zo d'Axa auquel il livre des chroniques de faits divers intitulée " Hourras, tollés et rires maigres ". En 1892 et 1893, avec Descaves, Barrucand et quelques compagnons, il réussit l'exploit de poursuivre anonymement la publication de la revue de Zo d'Axa réfugié à Londres ; il y côtoie Emile Henry qui va commettre deux attentats et sera guillotiné. A l'automne 1893, il reporte sa collaboration vers Le père Peinard, la Revue anarchiste, puis la Revue libertaire. Ces feuilles étant tour à tour fermées par la répression renforcée en décembre des lois scélérates, il se rapproche de la Revue Blanche qui accueille en avant-coureurs Charles Henry et Barrucand, et installe provisoirement Léon Blum comme gérant à la place de Muhlfeld.

En avril 1894, dans le cadre des rafles policières, une perquisition est faite au bureau de Fénéon au ministère où on découvre un flacon de mercure et des détonateurs provenant vraisemblablement de l'arsenal d'Emile Henry déménagé par les compagnons à la barbe de la police après son arrestation. Arrêté, Fénéon fait partie des inculpés du procès des Trente. Thadée Natanson organise sa défense, fait appel à Demange qu'il assiste comme avocat stagiaire, cite comme témoins Charles Henry et Mallarmé qui avait dit, dans une interview, qu'il n'y avait pas, pour Fénéon, de meilleurs détonateurs que ses articles. Ses réponses insolentes montrent son maniement hors pair de la dialectique pour nier tout contre la vraisemblance. Le jury est indisposé ; le partage des voix lui vaut l'acquittement comme pour l'ensemble des accusés politiques.

Les lecteurs des journaux ont alors fait la découverte de ce personnage que les journalistes ont décrit comme une sorte de dandy yankee.

Le secrétaire de rédaction de la Revue Blanche (1895-1903)

Durant plus de huit ans Fénéon dirige la rédaction de la revue à laquelle il s'identifie en suivant les orientations des frères Natanson avec lesquels il partage beaucoup d'options politiques, littéraires et artistiques. Il y introduit ses amis anarchistes, Zo d'Axa, Pouget, Malato, Cohen, Steens, Remy, Signac, Luce, Steinlen, Van Dongen, Marquet… Il organise en 1897 une Enquête sur la Commune et contribue à l'engagement de la revue dans le combat dreyfusard.

Secrétaire de rédaction, il conseille les auteurs débutants, structure les numéros en imposant des textes brefs et documentés, négocie des contrats, rédige des présentations laconiques, corrige les épreuves, choisit des illustrations. Il paraît sur la scène amie du théâtre de L'Oeuvre, soutient Jarry, suscite des publications exceptionnelles comme le manifeste de Signac et Noa Noa de Gauguin, organise dans les bureaux de la revue la première exposition rétrospective de Seurat.

Il signe avec Barrucand des Passim, commentaires à l'humour noir sur l'actualité, écrit quelques chroniques, des traductions de Poe, de Jane Austen et de Dostoïevski. Il rédige deux des textes des Rassemblements, manifeste collectif de la rédaction, composé de récits inspirés par des gravures de Vallotton.

Dans les premières années du XXème siècle, il pilote à la fois la Revue Blanche et ses Editions qui inscrivent à leur catalogue la prestigieuse traduction des Mille et une nuits par le Dr Mardrus, et Quo Vadis, best seller de Sienkiewicz, et des essais politiques.

Le journaliste et le directeur de galerie (1906-1926)

A la fin de l'année 1902, six mois avant la fin de la revue, Fénéon trouve un emploi administratif au Figaro. En mai 1906, il devient un des rédacteurs de la rubrique des " Nouvelles en trois lignes " créée par Le Matin à la fin de l'année précédente.

Cet exercice lui donne l'occasion de porter à son apogée sa virtuosité dans la condensation du reportage de faits divers. Les initiés du Tout Paris se délectent à lire chaque jour ses contributions qu'Apollinaire qualifiera d'immortelles. En 1944, Jean Paulhan aura la bonne idée de regrouper les 1210 nouvelles identifiées. On découvre alors un véritable tableau de la société prolétaire de l'époque, constitué de l'assemblage de touches contrastées comme les tableaux néo-impressionnistes qu'il admirait tant.

C'est aussi en 1906 que Fénéon devient le directeur artistique de la section d'art moderne de la galerie Bernheim-Jeune. Il gardera ses fonctions jusqu'à sa retraite en 1925. Il développe les contrats avec les peintres - successivement signataires Bonnard, Vuillard, Cross, Signac, Matisse, Van Dongen - qui obtiennent ainsi un revenu garanti sans aliéner leur liberté. Il organise en 1912 la première exposition parisienne des peintres futuristes… et constitue une remarquable collection de tableaux et de sculptures nègres.

En 1914, il lance le Bulletin de la vie artistique financé par la galerie et après la guerre, il succède à Cendrars à la direction technique des éditions de La Sirène où il aura le mérite de publier en 1923, Dedalus, de Joyce.

Le mythe Fénéon

Retiré, Fénéon reste fidèle à ses convictions, se déclarant communiste et hissant le drapeau rouge sur son immeuble pour fêter le succès du front populaire. Il aide de son témoignage les travaux sur Rimbaud et Seurat, impressionnant ceux qui l'interrogent par son imperturbable courtoisie et sa précision exceptionnelle de langage. Marie Van Rysselberghe, la " petite dame " de Gide, qui le fréquente depuis le siècle précédent, le décrit avec admiration.

Paulhan, son dernier ami, publie, quelques mois avant sa mort, un recueil de ses écrits précédé d'une introduction : FF ou le critique. Fasciné par le personnage et la convergence de ses réponses avec son propre cheminement, il fait de Fénéon le mythe du critique infaillible qui termine logiquement dans le silence. Quelques décennies plus tard, Joan Halperin, en publiant une biographie, inventera un autre mythe de Fénéon, celui d'un écrivain passé à l'acte terroriste en 1894 (attentat Foyot).

Ces deux mythifications montrent l'extraordinaire force qui émanait de celui que Jarry appelait " Celui qui silence " et dont Nadeau écrit qu' " il n'est finalement pas d'autres mots pour définir son attitude que celui d'absolue loyauté ". Félix Fénéon s'éteint le 29 février 1944, dans la maison de Chateaubriand qu'il habitait à la Vallée-aux-Loups.

Voir une lettre de Félix Fénéon à Laurent Tailhade

Œuvres

Les Impressionnistes en 1886, Paris, publications de la Vogue, 1886, 43 p.

Cote BnF :8- V PIEC

Petit Bottin des lettres et des arts, Paris, E. Giraud, 1886, 181 p., par Paul Adam,

Oscar Méténier, Jean Moréas et Félix Fénéon. Cote BnF : RES 16- LN9- 420.

(réédition en fac-simile Du Lérot, en 1990, avec une présentation de René-Pierre Colin)

Jean Moréas, in Les Hommes d'aujourd'hui, N °268 (année1886), 4 p., cote BnF : Richelieu - Arts du spectacle - magasin : 8- RF- 67673.

Les Derniers vers de Jules Laforgue: des Fleurs de bonne volonté, le Concile

féérique, Derniers vers, édités, avec toutes les variantes, par Édouard Dujardin et Félix Fénéon . Tours, imprimerie de Deslis, 1890, VIII-301 p., cote BnF : RES P- YE- 182

Lettres d' Edgar Allan Poe,.... traduction par Félix Fénéon, extrait. de la Revue Blanche du 1er février 1895, pp. 102-112, cote BnF : Richelieu - Arts du spectacle - magasin

8- RE- 11513

Catherine Morland, roman de Jane Austen, traduit de l'anglais, par Félix Fénéon, Paris, éditions de la Revue blanche, 1899, 364 p., cote BnF : MFICHE 8- Y2- 52428.

(réédition Gallimard, collection Les Classiques anglais, 1946, puis Gallimard, collection L'Imaginaire, 1980)

Un Adolescent, roman de Dostoievski, traduit du russe par J. W. Bienstock et Félix Fénéon, Paris, Édition de la Revue Blanche, 1902, 620 p., cote BnF : 8- Z WAHL- 274.

(nouvelle édition, Fasquelle, Bibliothèque Charpentier, 1923, 2 volumes de 310 p.)

Œuvres, introduction de Jean Paulhan, Paris, Gallimard, 1948, 479 p., cote BnF : MFICHE 16- Z- 2671.

Illuminations d'Arthur Rimbaud, édition critique avec introduction et notes par Henry de Bouillane de Lacoste, en appendice, extraits de lettres de Félix Fénéon à l'auteur, de 1939 à 1942, Paris, Mercure de France, 1949, 205 p., fac-similé, cote BnF : 16- YE- 1577

Au-delà de l'impressionnisme, textes réunis et présentés par Françoise Cachin, Paris, Hermann, 1966, 187 p., cote BnF : libre-accès - Littérature et art - Salle W - Art

709.440 9.

Œuvres plus que complètes, textes réunis et présentés par Joan U. Halperin, Genève-Paris, Droz, 1970, 2 volumes (LXVIII-1088 p.), cote BnF : 8- Z- 39973 (107,1) pour le volume 1 et 8- Z- 39973 (107,2) pour le volume 2.

Nouvelles en trois lignes, (extraits), lithographies de Topor, Monaco, recueil de textes extraits du Matin (1906). Sauret, 1975, 38 p., cote BnF : RES ATLAS- Z- 37.

Lettres à Francis Vielé-Griffin (1890-1913) et documents annexes, présentation et annotation par Henry de Paysac, Tusson, du Lérot, 1990, 176 p., cote BnF : libre-accès - Littérature et art - Salle V - Littératures d'expression française : 84/34 FENE 2 l.

Nouvelles en trois lignes, édition présentée par Patrick et Roman Wald Lasowski, illustrées par Félix Vallotton, recueil de textes extraits du Matin (1906). Paris, éditions Macula, 1990, 180 p. Cote BnF : libre-accès - Littérature et art - Salle T - 070.094 1 MATI f ;

(seconde édition en 2002)

Trois lettres inédites, présentées par Jean-Paul Goujon, Reims, Éditions A l'écart, 1991, 17 p., cote BnF : 16- Z- 28047 (23).

Correspondance Félix Fénéon - Jacques Rodrigues-Henriques, 1906-1942, édition établie par Jean-Paul Morel, avec la participation d'Isabelle de La Brunière, Paris, Séguier, 1996. 149 p., cote BnF : 4- D4 MON- 820.

Nouvelles en trois lignes et autres textes courts, présentation et notes par Hélène Védrine, Paris, Librairie générale française, Le livre de poche. Biblio, 1998, 251 p.

Nouvelles en trois lignes, volume II, choix et préface de Régine Detambel, Paris, Mercure de France, 1998, 91 p., cote BnF : 1999- 29381.

Nouvelles en trois lignes, extraits, illustrations de Pasacle Boillot, Paris (64 rue Condorcet, 75009), 1999, non paginé, cote BnF : Richelieu - Estampes et photographie - magasin

Dc-2413-4 .

Iront-ils au Louvre ? enquête sur des arts lointains, par Félix Fénéon, précédemment publié dans le Bulletin de la vie artistique (Paris, 1920), Toulouse : Toguna, 2000, 22 p., cote BnF : 2000- 71248.

Correspondance de Fanny & Félix Fénéon avec Maximilien Luce, ill. par Luce de portraits originaux ; éd. établie par Maurice Imbert, Tusson, du Lérot, 2001, 50 p., cote BnF : 2002- 124346.

Petit supplément aux Oeuvres plus que complètes, édition établie par Maurice Imbert, Tusson, Du lérot, 2003, 105 p., cote BnF : libre-accès - Littérature et art - Salle V - Littératures d'expression française 84/34 FENE 2 o.

Sur Félix Fénéon :

Willy, extrait du Nouvel Echo, N °4, 15 février 1892, pp. 97-99, cote BnF : Richelieu - Arts du spectacle - magasin: 8- RF- 74714.

Catalogue de la vente de la collection Félix Fénéon à l'Hôtel Drouot le 4 décembre 1941, Paris, Drouot, 1941, 56 p. British Library: Holdings (BL) YA.1993.b.10433.

Le Procès des Trente, vu à travers la presse de l'époque…, édition établie par Maurice Imbert, Histoires Littéraires & Du Lérot, éditeur, supplément à Histoires Littéraires, n°20, 2004, 64 p.

Félix Fénéon: art et anarchie dans le Paris fin de siècle par Joan Ungersma Halperin ; traduit de l'anglais par Dominique Aury, Gallimard, 1991, 439 p.

Cotes BnF : Tolbiac - Haut-de-jardin - Littérature et art - Salle H -

84/34 FENE 5 HA & Rez-de-jardin - 8- LN27- 97121

F.F. ou Le critique par Jean Paulhan

Paris : C. Paulhan, 1998, 170 p. Cotes BnF : Tolbiac - Haut-de-jardin - Littérature et art - Salle H - 84/4 PAUL 4 f & - Rez-de-jardin - libre-accès - Littérature et art - Salle V -

84/4 PAUL 4 f

Presentation

Mon, 28 Aug 2006 06:23:43 GMT

DOGON ART

Dominating from the XIVth century the Bandiagra's cliffs, in Malia, DOGON initiated

a very old artistic production. Line and shape's style is the main criterion to show power

of rites organising their society. Each work is a deep representation of cosmogony structuring

daily life.

A single cosmogony

As a patriarcal society, all professions have a ritual meaning according to God Amma and

his eight ancestors. DOGON or HEBBE means « pagan », who refuses to agree to Islam.

Amma looked like an egg, DOGON statues have always an ovoid head to make shown its

religious and initiation value.

The eight ancestors are associated to a profession and a colour:

Black smith and potter : red and blue

Farmer : white and green

Sculptor : orange

Speaker : green mill

Armand Auxiètre, managing Director at gallery « L'oeil et la main » choosed to present

for this exhibition a DOGON's maternity.

This choice to show how, even if maternity has the meaning of fertility, it is also full of

symbols and sacred characters evocating the powerfull world of spirits.

Threw these representations sculpture delicacy and DOGON patina underline its power.

DOGON Maternity

Malia – wood- old patina

Maternity represents a woman sitting on a stool, very delicately sculpted, and keep her

child on knees. Chil tries to hold on her bosom.

A solemn expression and full of dignity mother's expression givest to this work an intense

dimension much more than showing daily life : cosmic energy emanating of this DOGON

creation.

The art gallery L'Oeil et la Main, located at Paris, is essentially devoted to primitive arts. To come at the gallery, an access plan is available in the category "Access". If you wish to receive informations about the coming exhibition by email, please leave us your email adress in the category "Subscription to the newsletter". This site is dedicated to the collectors. It was created by collectors for collectors. Our collections include works of art of the highest quality, but also more modest ethnic objects. Don't hesitate to contact us for any remarks or suggestions, we are always interested in the possible observations concerning the objects presented, not only because errors of attribution cannot be completely avoided, but also because the general knowledge is always built from multiple knowledge of each one. If you have the possibility of it, don't hesitate to visit us at the gallery at 41 rue de Verneuil, behind the Orsay museum. The constitution of a collection requires a lot of time and some sacrifices, then you must arm yourself with patience.

The traditional african art, formerly called “negro art”, is subdivided into a multitude of local arts. For international museums have neglected african art for a long time, the majority of the works of art are as a result in the hands of private collectors and dealers. After the african countries' independences, many Europeans had come back in Europe with important collections, and gradually their collections fed the markets and the auctions. Objects The true passion for african art must in certain cases respect the object in its integrity, which thus means for example to accept the existence - without being impressed - of a layer of dried blood (sacrificial crust) collected during the ritual sacrifices. According to some collectors, the traces left by the use confer to these objects a magic aesthetic power that the others do not have. Among the african functional objects, one can also find everyday objects such as pulleys, locks of granaries, ladders, water-bottles pyrographed and weapons, personal objects (headstock of maternity, fetish), but also objects like decorative statues carved for the villas of the white people in the 1950's and 1960's, or like naive shops signs. These objects are "imitations” for the purists and “ethnos” for those who denigrate them, but these items, which have acquired patina, show things, often very beautiful and touching. For example the statues known as “colonists” are the image of the white man seen by the black man, and are often objects full of humour and of drolery (tropical helmet, gun with the belt, hands in the pockets). However, the today imitations make devastations, because in many african villages the craftsmen became masters in the art of patinate, all the more reason that, according to the experts it has become impossible to find a major work of art on the continent today. All is already in Europe, in the collectors (like the inhabitant of Brussels Willy Mestach), in the former colonists' families, or in the american museums. Because it became hard to find a ritual object, there are many robberies relating to these objects.

The african governments of their side let make because they do not demonstrate a lot of interest for the market of Africain art and avoid it, while a resolution appraise by the UNESCO forbid, since the beginning of 1990s, to get outside masks and statues of the african continent. But in facts, neither the UNESCO, nor the african governments have means to confine hemorrhage and to protect this heritage. More certain criticisms rose against such measure with as sales talk to say: « Nothing forbids the Europeans, the Americans or the Japanese to sell their writings abroad or to buy it. Why would this right be forbidden the Africans? » Africa stays, however, a natural artistic deposit of major importance, because throughout of this vast continent, there is thousands of tombs millenniums packaging, still, dozens thousand objects to be discovered. Some african museums, States of which have neither means nor will to undertake body searches, try to get organized and to offer to the traders of coeducational or joint body searches with as purpose to keep the most special rooms, and at least to be able to be interested in sales of the collected objects, to have means to implement a true policy of acquisition.

Today african art is a bottomless mine of inspiration for the creators who re-interpret it, but « out of its middle, withdrawn from its context, not only geographical but also social, the object loses its cultural identity. (...) The panoply of the "colonial" in the wall of the "collector" linked today to contemporary art, they tend to forget the relation of the Africain object with its middle of origin, forgetting of obvious ethnological involvement ».

Sat, 14 Jun 2014 13:43:54 GMT

Maître de Bouaflé

Simone Breton en 1927. Man Ray

Mask Gouro Maître de bouaflé
Vente record pour un masque ayant appartenu au surréaliste André Breton masque Gouro de Côte d’Ivoire a atteint la somme respectable de 1 375 000 euros

Mask Gouro Maître de bouaflé

Mask Gouro Maître de bouaflé

Collection Vérité 17-18 June 06
Lot no 67. Statuette Gouro
Côte d’Ivoire
Bois
Hauteur : 58 cm (23 in.)
Estimation : 20,000/30,000 euros

Elle représente une jeune femme debout dont la tête finement ciselée, comme un masque, porte une coiffe à cimier, composée de deux tresses et d’un frontal gravé de motifs géométriques. Le corps élancé a des formes pleines, les bras sont disposés de façon asymétrique dans un geste de pudeur. Toute la sculpture est couverte d’une belle patine d’usage brun foncé.

Superbe statuette d’un type rare, le sculpteur a représenté ici l’idéal féminin Gouro, un mélange de sensualité et de force physique ; la grâce du visage évoque le style des beaux masques Gouro attribués au Maître de Bouafle (Fischer et Homberger, Die Kunst der Guro, 1985, pages 40-43).

Museum rietberg mask gouro Maître de boulaflé

sothebys

GURO MASK, IVORY COAST

gu, of deeply carved hollowed form, the coiffure with a jagged hairline below a rectangular structure with two pendant braids; exceptionally fine, encrusted grey brown patina.

height 17 1/4 in. 43.8 cm

Estimate125,000 — 175,000USD

LOT SOLD. 396,000 USD

Provenance

Edouard Klejman, New York and Paris

Daniel Hourdé, Paris

Acquired from the above, 1983

Culture: Guro

Artist: Master of Buafle

Mask

20th century, before 1954

Wood

Overall: 62.2 x 19.05 x 13.97 cm (24 1/2 x 7 1/2 x 5 1/2 in.)

Gift of Mr. and Mrs. James M. Osborn for the Linton Collection of African Art

1954.28.33

Geography:

Made in Guinea Coast, Ivory Coast

Culture:

Guro

Classification:

Masks

Heddle Pulley. Côte d'Ivoire; Guro peoples, 19th century. Wood, pigment; H. 8 1/4 in. (21 cm) Provenance: Félix Fénéon, Paris, before 1929; Dr. Charles Stéphen-Chauvet, Paris; Morris Pinto, Paris, before 1985; Barbier-Mueller collection, since 1985 The Barbier-Mueller Museum

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